Tár (Todd Field, 2022)
Un pouvoir uniquement fondé sur l’affirmation charismatique de soi-même se met dans la dépendance absolue d’autrui.
Auteur : Pierre Delain
Le Silence (Ingmar Bergman, 1963)
Ce qui reste silencieux ne peut s’écrire que dans une langue étrangère, intraduisible.
Leonor will never die (Martika Ramirez Escobar, 2022)
Une grand-mère pour toujours sur le point de mourir, sans jamais franchir le pas.
Cléo de 5 à 7 (Agnès Varda, 1962)
Il aura fallu, pour commencer à vivre, un avertissement supplémentaire : tu te dois à la mort.
L’éclipse (Michelangelo Antonioni, 1962)
Un parcours dans les marges où la vie courante, sentimentale-économique, se dissout, s’efface, s’éclipse.
R.M.N. (Cristian Mungiu, 2022)
Accueillir l’étranger, c’est ce qui peut déclencher la haine la plus insensée, le rejet le plus délirant.
Retour à Séoul (Davy Chou, 2022)
Du seul moment qui compte, la naissance, on ne peut rien dire ni rien se remémorer.
Tirez sur le pianiste (François Truffaut, 1960)
En racontant la vie d’un autre, je transgresse l’impossibilité de raconter ma propre mort.
Orlando, mon autobiographie politique (Paul B. Preciado, 2023)
En s’affirmant performative, la déclaration du transgenre, du non-binaire, appelle une confirmation publique, identitaire.
Pickpocket (Robert Bresson, 1959)
Jouir d’un vol, dans un désintéressement absolu, pour affirmer simultanément, sans les dissocier, son innocence et sa culpabilité.
Godland (Hlynur Pálmason, 2022)
Quand s’effondrent les limites, les parerga, rien ne peut arrêter la violence originelle, inouïe.
Le Mirage de la vie (Douglas Sirk, 1959)
Il faut soit sacrifier les mères pour laisser vivre les filles, soit sacrifier les filles pour que les mères puissent vivre selon leur désir.
Compulsion (Richard Fleischer, 1959) (Le génie du mal)
La pure souveraineté du mal radical, sans justification ni explication, face à la pure souveraineté du rejet de la peine de mort.
Ecrit sur du vent (Douglas Sirk, 1956)
Comment écrire ce qui ne peut se dire ni en paroles, ni en images, mais seulement sur du vent, dans l’évanescence d’un film.
Portraits Fantômes (Kleber Mendonça-Filho, 2023)
Quand l’ancrage territorial et temporel du cinéma risque de s’effacer, il faut attacher sa ceinture et continuer.
La femme de Tchaïkovsky (Kirill Serebrennikov, 2022)
Un film sur l’amour : pas l’amour fou, mais l’amour en tant que fantasme, folie.
Voyage en Italie (Roberto Rossellini, 1954)
Pas d’union d’un couple, d’amour, de famille, sans se confronter aux traditions et à la mort.
Le désert rouge (Michelangelo Antonioni, 1964)
Dans les marges périphériques où le monde se perd, il n’y a personne pour me porter.
L’Avventura (Michelangelo Antonioni, 1960)
Une aventure vécue en bordure parergonale du monde, dans le manque creusé par une disparition.
Un été avec Monika (film d’Ingmar Bergman, 1953)
Un regard dans le film en appelle au-delà du film à un autre regard qui témoigne d’une alliance oto-biographique.
Murmure dans la ville (Joseph Mankiewicz, 1951)
Une pure amitié qui ne repose sur aucune justification, sur aucun intérêt commun.
Aucun ours (Jafar Panahi, 2022)
En jouant son propre effacement, le réalisateur revendique et assume sa responsabilité.
Pandora (Albert Lewin, 1951)
Aporie de l’amour inconditionnel : en exigeant le sacrifice de tout autre intérêt, il se soumet à une condition irréalisable, mortifère.
La Dolce Vita (Federico Fellini, 1960)
Dans un monde qui se déconstruit, il est tentant de se ruer sur les plaisirs, au risque d’aggraver le mal.
La Notte (Michelangelo Antonioni, 1961)
La nostalgie d’une extériorité impossible, dont il faut faire son deuil.
Un Tramway nommé Désir (Elia Kazan, 1951)
Un monde s’en est allé, il n’en reste rien d’autre que cette femme, la folle, l’exclue, qui ébranle à jamais « notre » monde.
Yannick (Quentin Dupieux, 2023)
Un film singulier qui affirme que rien dans l’œuvre d’art n’est singulier, exceptionnel.
Esterno Notte (Marco Bellocchio, 2022)
À l’acmé de la violence, du calcul politique qui voue Aldo Moro au sacrifice, se pose la question de l’au-delà du pouvoir, du politique.
Traité de bave et d’éternité (Isidore Isou, 1951)
Le cinéma est un art discrépant, où sons, images, significations, etc., quoique simultanés, ne parviennent pas à s’accorder.
Phantom of the Paradise (Brian de Palma, 1974)
Il n’y a pas qu’une puissance souveraine de l’artiste, mais deux, qui ne peuvent que naître et mourir en même temps
Le Bleu du caftan (Maryam Touzani, 2022)
Nettoyer, dans un pur linceul, la crainte et la culpabilité.
Les chaussons rouges (Michael Powell et Emeric Pressburger, 1948)
Il n’est d’art pur que régi par une puissance souveraine ayant tous les droits, y compris de détruire les conditions de sa survie.
Sur l’Adamant (Nicolas Philibert, 2022)
Brouiller les frontières de la folie : une tentation de réalisateur, nécessaire, souhaitable, utopique et irréalisable.
L’aventure de Madame Muir (Joseph L. Mankiewicz, 1947)
Et le spectre déclara à Madame Muir : “Il faut que je te porte”.
Showing Up (Kelly Reichardt, 2022)
Un cinéma brut pour un art horizontal, au plus proche de la terre et des tracas quotidiens.
Burning Days (Emin Alper, 2022)
Nul n’est innocent, il y a toujours un gouffre dans lequel chuter.
To be or not to be (Ernst Lubitsch, 1942)
Allemands et Polonais se combattent, se font la guerre, échangent leurs rôles, et finalement, c’est le Juif qui est sacrifié.
First Reformed (Paul Schrader, 2017)
Quand le monde se délite, il faut préserver l’ultime courage : porter l’enfant à naître.
Liliom (Frank Borzage, 1930)
Pour qui aime sans calcul ni condition, sans exiger aucune réponse, un coup peut être ressenti comme un baiser.
Goutte d’or (Clément Cogitore, 2023)
En portant l’enfant mort, le voyant fait le deuil de ce que lui-même a été.
L’ange bleu (Josef Von Sternberg, 1929-30)
Les nazis sont arrivés au pouvoir car le vieux monde s’était déjà effondré.
L’homme à la caméra (Dziga Vertov, 1929)
Mettre le leurre cinématographique en œuvre tout en le tenant à distance, le démontant et le déconstruisant.
Little Girl Blue (Mona Achache, 2023)
Une auto-hétéro-bio-thanato-graphie féminine où chaque femme semble jouer le rôle d’une autre, jusqu’à l’épuisement.
Déserts (Faouzi Bensaïdi, 2023)
Quand, dans l’échange d’argent, rien n’est « normal », rien n’est impossible, pas même l’événement qui change les règles.
Le bled (Jean Renoir, 1929-30)
Détourner le contexte colonial pour glorifier le sentiment amoureux.
Le cameraman (Buster Keaton, 1928)
Le cameraman le plus crédible, le plus digne d’amour, c’est celui qui filme pour rien, sans projet ni intention (le singe).
Music (Angela Schanelec, 2023)
Au-delà de la tragédie, du destin (œdipien), il est possible de transmuer la dette.
Vincent doit mourir (Stephan Castang, 2023)
Une cruauté gratuite qui s’exerce sans conflit, sans lutte de pouvoir, sans faute, sans intérêt, sans responsabilité ni culpabilité.
Le règne animal (Thomas Cailley, 2023)
Il vaut mieux accompagner, porter, l’inarrêtable hybridation du monde.
La Coquille et le Clergyman (Germaine Dulac, 1928)
Il n’y a rien à attendre de la différence des sexes.
Le chanteur de jazz (Alan Crosland, 1927)
Le premier film parlant a pour thème la dissociation voix/corps/identité; il voudrait faire croire à leur coïncidence, si elle était possible.
Lohengrin, opéra de Richard Wagner (1850) mis en scène par Kirill Serebrennikov en 2023
Exiger l’amour inconditionnel du sans-nom, c’est impossible.
Licorice Pizza (Paul Thomas Anderson, 2021)
Un film où l’acquiescement à l’autre déclenche le mouvement gratuit, imprévisible, de l' »aimance ».
L’Aurore (F.W. Murnau, 1927)
Avec la perfection du film muet, convergent l’apologie de l’amour et celle de la beauté adhérente en art.
L’An 01 (Jacques Doillon, Alain Resnais et Jean Rouch, 1972)
L’utopiste, qui veut tout prévoir, n’attend plus rien de l’avenir.
Piaffe (Ann Oren, 2022)
Pour devenir soi, unique entre tous, laisser venir l’hybride dans son corps.
À l’intérieur (Vasilis Katsoupis, 2023)
Enfermé dans un lieu clos, hors-monde, inhabitable, il le transforme en déchetterie où il s’auto-détruit.
Rester vertical (Alain Guiraudie, 2016)
Il faut, quand le phallocentrisme se désagrège, « rester vertical » sans la prothèse d’une érection, sans le prétexte d’un ordre social.
Last Words (Jonathan Nossiter, 2020)
Au bout du compte, le dernier mot appartient au cinéma, car malgré tout, il porte encore la promesse.
Decision to Leave (Park Chan-wook, 2022)
Un fantasme de flic où les fautes, les crimes et les trahisons se déplacent, se croisent et se neutralisent, sans jamais s’annuler.
Adam (Maryam Touzani, 2019)
Le regard d’une petite fille sur une hospitalité qui oblige, dans un monde où le nouveau-né doit être abandonné.
Trouble-Fête (Alina Yklymova, 2022)
On ne peut défendre un « chez soi » contre la puissance phallique qu’en participant de cette puissance.
Viridiana (film de Luis Buñuel, 1961)
Pour faire la charité, il faudrait déjà être chez soi, et pour offrir l’hospitalité, il faudrait déjà accepter la loi de l’autre.
L’invitation (Claude Goretta, 1973)
Tu ne peux accueillir les autres que si tu es déjà le maître chez toi.
Les Mystères d’une âme (Georg Wilhelm Pabst, 1926)
film muet qui, par excès de pédagogie, refoule ce qui, à même le cinéma, mobilise l’inconscient.
Marx peut attendre (Marco Bellocchio, 2021)
Le suicide est un événement avec lequel on (l’autre) ne peut jamais faire la paix.
El Conde (Pablo Larrain, 2023)
Le spectre de Pinochet, qui incarne l’éternel retour du mal, continue à nous vampiriser.
Il Caso Valdemar (Gianni Hoepli & Ubaldo Magnaghi, 1936)
Le « mourir » de Valdemar, suspendu pendant sept mois, est encadré par deux énonciations impossibles : « Je suis mort »
White noise (Noah Baumbach, 2022)
La déconstruction ordinaire, sans réponse, ça peut se consommer sans déplaisir, mais pas sans angoisse
L’enlèvement (Marco Bellocchio, 2023)
La paternité n’est pas biologique, mais performative : est père celui dont l’enfant croit qu’il est le père